Each  step  has  path.    

 Telemann Fantasia No 5 Second and Third MovementsTelemann Fantasia No 9 First Movement SicilianaTelemann Fantasia No 12 First Movement ModeratoTelemann Fantasia No 12 Second Movement VivaceTelemann Fantasia No 12 Presto Last MovementTelemann Fantasia No 11 Second Movement SoaveTelemann Fantasia No 6 First Movement GraveTelemann Fantasia No 6 Presto Second MovementTelemann Fantasia No 6 SicilianaTelemann Fantasia No 6 Allegro Last MovementTelemann Fantasia No 10 Presto First Movement


Slow  calm  practice  strengthens  our  mind  and  muscles.  

We  want  to  imagine  every  individual  sound  as  it  arises  and  disappears.  

Feel  its  meaning  and  maybe  play  it  differently  next  day.     



Thinking  in  terms  of  "the  order  of  sounds",  as  moments  which  fit  one  after  the  other.  The  score  is  like  a  picture  of  sounds. 

When  we  dissect  the  score  the  bar  lines  become  a  landmark,  and  in  fact  when  the  speed  of  the  music  is  absorbed  at  a  slower  rate  the  bar  lines  sometimes  do  not  even  have  meaning,  it  is  at  this  stage  a  wash  of  slow sounds. 


The  speed  of  the  brain  is  important  to  consider  when  learning  a  new  score. 

If  we  hear  the  music  at  the  speed  that  the  brain  can  absorb  the  individual  notes,  then  we  learn  the  score  much  faster. 


The  rate  that  the  brain  absorbs  information  and  sends  the  information  to  the  muscles  to  create  the  music,  has  to  be  in  the  beginning,  at  the  same  rate  as  thinking,  or  at  the  slower  rate  as  speaking,  which  is  actually  slower  than  we  imagine.  


To  hear  ALL  the  sounds  on  the  score  is  a  skill,  as  some  sounds  are  quieter  than  others. 

The  musician  has  to  learn  what  sounds  to  fit  with  their  particular  individual  line  and  what  sounds  that  do  not  fit  with  their  particular  line. 


This  idea  of  practicing  slowly  is  obvious  to  everyone  but  slow  practice  should  also  include  a  plan  of  possible  problems  that  could  arise,  and  how  to  solve  the   problems  if  they  do  arise. 

Planning  the  acoustics  in  the  hall  before  the  rehearsal  begins,  the energy levels  of  the  performers  on  the  day,  including  the perception  of  the  group  playing  at  the  agreed  tempo  and  volume  during  rehearsals.  For  example  not  rushing  or  playing  too  loud. 


Practicing  the  skill  of  sound  travelled  in  the  concert  hall  is  something  we  do  on  the  day  of  the  concert. 

Learning  how  to  hear  the  person  playing  their  instrument  across  the  other  side  of  the  hall,  learning  how  to  identify  if  another  instrument  is  playing  too  fast  or  too  slow  and  learning  how  to  save  our  energy  when  pulling  back  someone  else's  speed.   


The  musician  has  to  be  strong  minded  to  change  the  situation,  or  change  the  perceived  sounds,  sounds  that  can  be  misleading  if  we  are  not  aware  of  the  possible  problems,  these  problems  can  be  resolved  if  we  are  aware  of  each  note  in  the  score. 


To  hear  the music  slowly  with  everything  fitting  is  a  skill  that  allows  the  musician  to  play  at  speed  and  not  feel  uncomfortable  when  other  sounds  arrive  at  that  particular  moment. 


Each  sound  has  an  entrance  like  an  actor  in  a  play,  if  we  can  hear  every  sound  that  comes  off  the  conductors  score  when it  actually  happens  the  musician  is  in  a  position  to  play  the  music  like  a  member  of  the  group. 


It  is  about  fitting  the  music  like  all  the  pieces  fit  a  puzzle,  if  one  piece  of  the  puzzle  is  missing  or  we  do  not  know  where  to  fit  the  pieces  of  the  puzzle  in  the  right  places,  we  find  it  difficult  to  see  the  completed  puzzle. 


Music  is  a  picture,  each  grain  of  colour,  or  item  in  the  picture  has  a  place.  Everything  is  about  being  in  the  group,  therefore  to  learn  the  full  score  slowly  from  the  beginning,  hearing  ALL  the  sounds  as  they  arise  is  a  quicker  and  more  effective  way.  

Eventually  when  the  score  is  put  together  at  speed,  the  technical  ability  to  play  the  individual  line  is  easier.


Please  note  that.  When  the  sounds  can  be  heard  in  the  musician's  inner  ear  at  a  very  slow  rate  of  sound  procedure,  the  whole  aspect  of  the  music  changes,  it  does  mean  however  that  each  sound  can  be  identified  and  to  which  instrument  is  playing  that  particular  sound,  when  the  music  is  put  back  together  the  physical  body  is  able  to  connect  to  the  individual  process  of  creating  that  sound  and  able  to  attach  the  required  emotion  to  that  sound. 


It  is  about  seeing,  hearing,  solving  the  problems  before  they  arise,  doing,  and  communicating. 

In  the  beginning  this  is  done  by  slowly  identifying  the  sound  when  it  arises.  Then  all  the  other  elements  get  put  back  when  the  identifying  process  has  been  accomplished. 


Music  can  be  thought  of  as  a  science,  when  first  learning  the  score  the  science  is  to  find  out  the  rate  that  the  brain  absorbs  the  entrance  of  the sound  and  the  duration  of  sound  and  as  soon  as  this  is  accomplished,  then  the  human  element  is  added.



Using  memory  and  the  score  together. 

The  benefits  of  having  the  score  there  as  a  reminder  when  performing.



In  terms  of  memory,  when  we  read  the  music  off  the  page  we  are  at  that  moment  of  the  present  and  we  also  have  memories  of  past  moments  when  working  on  that  particular  score,  when  we  work  from  memory  (that  is  not  visually  reading  the  score  when  playing  the  music)  the  score  has  a  trend  to  being  less  in  the  present  and  more  in  the  past. 


The  idea  of  memory  stored  in  the  brain  needs  to  be  considered  when  performing  music,  when  we  go  back  and  study  a  piece  of  music  that  we  studied  some  years  back  or  any  time  back,  even  yesterday,  the  memory  replays  back  the  senses  that  were  memorized  yesterday  or  however  long  ago  when  working  on  that  particular  score. 

All  sounds,  all  emotions,  the  room  we  were  working  in  and  the  people  that  were  around  us,  everything  in  that  time,  our  brains  memorize. 


For  example  if  we  learned  a  score  in  Athens  Greece,  then  often  when  we  re-work  at  that  score,  Athens  seems  to  enter  our  thoughts. 

This  natural  occurrence  means  that  as  performing  artists  we  want  fresh  and  present  performances. 


When  reading  from  the  music,  even  music  that  we  have  played  in  many  concerts,  it  is  more  likely  to  be  in  the  present,  simply  because  we  are  not  relying  on  total  memory. 


The  music  is  there  to  REMIND  us  VISUALLY  and  so  we  CAN  DECIDE  to  CHANGE  even  the  fingering,  or  the  string  that  we  play  on,  or  change  bow,  because  we  feel  like  it  on  that  day.



Discussion  of  the  score  in  more  detail  with  emphasis  on  rhythm.


Sometimes  the  complaint  of  the  musician,  is  that  the  rhythm  is  not  fitting  as  they  would  like.  However  most  musicians  given  the  opportunity  will  be  able  to  dance  to  pop  music  all  night  long! 


So  this  clearly  means  that  most  musicians  have  a  great  rhythmic  pulse.  All  that  needs  to  be  done,  is  to  be  able  to  apply  this  feeling  of  the beat.  To  physically  manually  placing  the  accents  on  the  notes  where  required,  and  to  know  every  individual  part  in  the  full  score.  All  very  simple  and  obvious.


If  the  musician  learns  the  full  score  right  from  the  beginning,  seeing,  hearing,  and  applying  the  physical  movement  of  their  individual  line,  accepting  all  the  other  lines  as  they  play  the  piece,  then  they  have  the  correct  rhythm  and  there  are  no  problems. 


Rhythm  is  about  being  in  the  group,  a  well  known  fact.  The  musician  has  to  learn  the  full  score  right  from  the  beginning,  putting  in  the  fingerings, ,  or  breath  marks,  right  at  the  same  time  as  hearing  all  the  parts.  (Things  can  always  be  changed  as  the  work  unfolds  and  develops.  Even  over  a  period  of  many  years.  Which  every  musician  well  knows). 


This  analysis  takes  time,  but  the  long  term  result  is   quick  and  there  are  less  mistakes  which  have  to  be  unlearned. 


Hearing  all  the  parts.


For  example.  The   Bruch  violin  concerto,  contains  21  individual  lines.  Which  are  strings  =  4.  Violin  soloist  =  1.   =  1.  Then  there  are  2  trumpets.  2  horns  in  B.  2  horns  in  E.  2  bassoons.  2  clarinets.  2  oboes  and  2  flutes. 


Rhythm  problems  are  ALL  solved  when  the  inner  ear  can  hear  all  of  these  parts  at  speed.  The  only  way  this  can  be  done  is  if  the  inner  ear  has  done  this  slowly  right  from  the  beginning.  That  is  the  ability  to  know  what  note  each  line  is  playing  at  that  moment,  be  it,  short,  long,  soft  or  loud,  with  and  without  reference  to  the  bar  line  as  a  marker.  So  for  example  if  the  composer  has  put  a  tie  over  the  bar  line,  and  the  perceived  pulse  of  the  music  changed,  this  change  is  of  no  difficulty  to  another  musician  playing  their  own  line.


In  the  Sibelius  violin  concerto.  The  first  movement  is  especially  well  known  for  its  rhythm  difficulties.  There  are  many  different  reasons  why,  but  here  is  one  example.  The  bar  line  sometimes  has  a  perceived  sense  of  being  unfelt  to  other  individual  lines,  due  to  ties  given  to  some  instruments  to  hold  a  continuous  sound  over  the  bar  line,  and  which  have  been  marked  loud,  altering  the  perception  of  another  person,  who  does  not  have  ties,  over  the  bar  line,  and  who  is  the  one  playing  a  simple  rhythm,  which  is  on  the  beat.  


If  the  soloist,  or  horn  player  or  cello  group  has  accepted  this  situation  right  from  the  beginning  then  it  is  easy  for  them  to  play  their  individual  line.


So  the rhythm  is  about  accepting  another  line  or  indeed  many  lines  all  at  once.  We  take  the  score  apart  and  put  it  back  together.  It  does  not  matter  if  there  are  21  lines  or  50  lines  the  inner  ear  has  to  have  absorbed  all  the  lines. 


We  have  to  listen  out  for  the  quiet  instrument  which  perhaps  plays  only  for  a  brief  moment  and  which  may  be  playing  in  a  difficult  register  for  us  to  hear.  In  order  for  us  to  be  able  to  place  our  own  individual  line.


For  example  in  the  Mozart  violin  concerto  in  A  major.  The  first  movement.  After  the  slow  introduction.  Allegro   first  bar.  The  violins  in  the  orchestral  line,  have  a  C  sharp  on  the   quaver,  and  the  violin  soloist  has  an  A  on  the   quaver. 


The  C  sharp  is  a  short  sound  and  is  being  played  in  a  middle  register.  Possibly  making  it  more  difficult  for  the  solo  violinists  ear  to  place.  (Violinists  generally  hear  sounds  that  are  high,  because  the  violin  is  generally  in  a  higher  register).  This  moment  for  the  soloist  may  be  difficult,  and  the  rhythm  may  shake.  Especially  when  everyone  else  is  playing  loudly  including  the  violin  soloist  who  is  playing  loudly.  The  C  sharp  is  unobserved,  but  it  is  this  C  sharp  that  makes  the  group  work,  it  is  the  queue  or  key  that  triggers  the  violin  soloist  to  play  the  A.  The  A  or  the  C  sharp  is  not  the  centre  of  the  rhythm,  but  these  two  entities  are  what  lead  on  to  the  next  bar  which  is  the  centre  of  the  rhythm.


This  is  what  rhythm  is  about.  The  end  product  comes  from  this  overall  impression  of  everyone  playing  the  Mozart  concerto.  So  we  can  all  swing  to  the  pulse  and  dance.  It  is  being  able  to  fit  round  everybody  else  with  ease.


The  process  is  the  same  in  any  work,  Baroque,  Classical  or  Modern,  whether  there  is  an  obvious  pulse  or  not.


So  in  short,  the  musician  has  to  learn  the  full  score  like  the  conductor  has  to,  and  hear  everybody.  If  it  is  a  violin  and  piano  score  then  the  violinist  has  to  know  all  the  sounds  in  the  piano  part.  Which  is  actually  more  than  we  think.  The  chord  in  the  piano  part  may  contain  4  or  more  sounds.  They  all  have  to  be  identified.  


Rhythm  is  also  about  learning  when  there  is  silence.  This  seems  obvious  but  this  is  not  quite  the  case.  We  have  to  know  within  the  context  of  the  concerto  or  any  piece,  when  each  individual  line  is  resting.  This  seems  so  simple,  but  often  it  is  the  rests  which  can  sometimes  cause  confusion. 


We  must  know  when  we  are  alone,  often  we  take  if  for  granted  that  a  line  is  playing,  but  we  are  sometimes  surprised  to  find  that  it  is  not  playing,  due  to  the  confusion  of  speed  in  the  music.  Sometimes  the  rests  are  the  pulse  and  sometimes  not.  Sometimes  we  can  feel  comfortable  when  we  definitely  know  we  are  alone.  As  those  are  the  moments  we  can  take  charge  and  change  the  feel  of  the  music. 


We  can  in  those  moments  make  everybody  else  feel  comfortable.  We  can  use  these  moments  of  when  we  are  the  only  person  playing  to  stop  someone  else  rushing  when  they  next  enter.  For  example  if  we  decided  not  to  play  then  no  one  else  could  play,  because  they  play  after  us. 


It  is  only  a  mind  thing,  but  mentally  we  can  change  the  mind  of  another  person  playing  their  line  by  knowing  when  we  are  playing  alone,  and  knowing  that  they  can  only  play  after  we  have  played. 


For  example.  The  last  movement  of  the  Mozart  violin  concerto  in  A  major.  At  bar  16.  There  is  a  rest.  Everybody  has  stopped  playing.  If  the  soloist  "pretends",,,,,  that  the  the  last  movement  "starts"  at  the  soloists  entry  at  bar  16......  That  Mozart  did  "not"  write  any  music  before  the  rest  at  bar  16......  Then  when  the  soloist  plays,,,,,,,  starting  their  line  on  the  second  beat.....  This  automatically  stops  the  orchestra  or  pianist  rushing,,,,,  on  the  first  beat  of  the  bar,  in  bar  17  with  their  quavers.


In  terms  of  giving  support  to  another  line  here  is  another  example.  Brahms  violin  and  piano  sonata.  This  seems  again  so  obvious.  First  movement,  G  minor  sonata.  Bar  82.  Of  course  the  piano  is  the  leading  role.  The  violinist  just  plays  pizzicato  on  the  beat.


However  it  is  easy  for  the  violin  to  just  enjoy  the  physical  movement  of  doing  the  pizzicato,  and  just  play  on  the  beat.  But  the  violinist  should  make  a  choice  between  two  ideas.  Either  just  be  a  rhythm  for  the  pianist  to  fit  round,  to  give  them  a  line  of  reference.  Or,  wait  each  time  to  check  that  the  pianist  is  at  that  point  in  time  playing  the  note,  where  the  pizzicato  is,  then  the  violinist  plays  at  that  chosen  moment.


This  sensitivity  from  the  violinist  gives  the  pianist  the  freedom  to  do  exactly  what  he  or  she  wants  with  the  phrase.  These  decisions  we  make  all  the  time.  We  often  think  we  are  hearing,  but  actually  if  truth  be  told,  we  are  so  wrapped  up  in  our  own  line  that  we  do  not  hear  sadly. 


This  of  course  applies  to  the  way  we  think  on  every  subject  and  of  course  the  action  we  take  in  life.  Even  when  the  facts  stare  us  in  the  face.  Music  is  the  same.  As  it  is  the  knowledge  of  the  whole  complete  full  score. 


Generally  we  copy  each  other,  but  we  can  chose  in  music  whether  to  copy  or  not.  Sometimes  knowing  when  and  where,  all  the  individual  lines  are  resting  and  playing,  gives  us  an  edge  to  change  the  perception  of  the  music.  This  is  what  gives  the  soloist  or  conductor  their  own  interpretation. 

Knowing  every  line  and  communicating  to  each  line  so  that  each  line  is  responsible  for  making  the  music  complete.


We  have  to  remember  the  length  of  every  sound  in  our  line,  that  is  to  the  exact  smallest  unit.  This  is  artistic  interpretation,  and  to  learn  the  exact  length  of  all  the  other  lines  so  that  we  can  give  instruction  if  required  or  not  required,  to  the  other  lines,  in  order  to  make  our  own  individual  performance  unique.   

Gallery  of  ancient  Greek  entertainment  remains  in  Athens  Greece.   Broadstairs  beach  in  Kent  England.  Other  nice  places.